『田中一光とファンシーペーパー その色彩と質感へのまなざし』：可能性と憂鬱

「特種東海製紙 Pam東京」で開催された『田中一光とファンシーペーパー その色彩と質感へのまなざし』を観てきました。

田中一光さんは長年に渡り「特種東海製紙」の総合的なアートディレクターを務められました。『Pam』というのは「Paper and material」の略で、この展示スペースのネーミングもご自身によるものです。「デザインは社会的に機能していなければならない」という原則のもと、常に社会と企業と自分自身との関係を注視しながら、商品開発に積極的に参加されていました。その中のひとつ「特種東海製紙」では、顧問デザイナーとして多数のファンシーペーパーの開発に携わっています。コンセプト立案からネーミング、そしてプロモーションに至るまで、関わった仕事のあらゆる領域に前のめりに、積極的な姿勢で向き合っていました。

★田中一光とファンシーペーパーの開発 年表

1971　レザック71

1975　レザック75

1980　レザック80つむぎ／もみがみ

1982　レザック82ろうけつ

1984　リバーシブル＊／ウッド＊

1985　ボス／リバーシブルブラック＊

1987　TANT／カラベ（現ニューカラベ）

1988　みやぎぬ／江戸小染はな

1991　江戸小染うろこ／岩はだ

1992　レザック66増色／ルーセンスS／ルーセンスはな＊／

　　　   ルーセンスF＊／ルーセンスR＊／江戸小染かすみ／

　　　   コルキー／トーメイあらじま／トーメイ新局紙／

　　　   トーメイパミス

1993　木はだ＊

1996　レザック96オリヒメ／Mr.B

1998　里紙／Mr.Bm

1999　マーメイド増色／TANT-e

2000　Mr.A（現Mr.A-F）／マザー＊

2001　TANT-V／ミセスB（現ミセスB-F）／

　　　   ルーセンスJr.はな＊／ルーセンスJr.フラット＊／

　　　   ルーセンスJR.スモーク＊／ルーセンスJr.R.

2002　ピケ＊

　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　（＊印：現在廃品）

30年の間に開発された製品には、以上のものがあります。
「TANT」、「Mr.B」、「里紙」は、知名度も高くよく使用されている用紙ですが、中でも「TANT」は150色と色のバリエーションも豊富で、田中さんだからこその選定といえるでしょう。

会場には田中さんが開発された用紙と、使用例としてそれらが実際に使われた書籍や商品、ポスターなどが展示されていました。用紙の色味や質感と共に印刷効果や仕上がりを確認することができる貴重な機会で、加工された製品を観ると、完成形として生まれ変わったような新鮮さ、素材の持つ表情の豊かさを強く感じます。今では当たり前のように使われているファンシーペーパーや高級印刷用紙も、デザインを制作する現場からの声が反映され、様々な過程を経て開発されたのだということが腑に落ちる、実りの多い展示内容でした。

日本の用紙は見た目の美しさはもちろん、質感や手触り、バリエーションなど、非常に優れていると常々思っていましたが、こういったきめ細やかな製品開発の背景を知り、改めてその奥行きの深さに感銘を受けました。もはや、製品開発に留まらず、文化そのものをアップデートしているような印象すら覚えます。例えば機能美を兼ね備えた用紙に効果的な印刷や加工を施すことによって、書籍や製品開発などの可能性も広がります。多彩な質感や色の展開は、背景に着物など日本特有の文化の影響が感じられ、日本の用紙は世界に誇れるものであることを再確認しました。

「iPad」を皮切りに「Nexus」、「Kindle」と様々なタブレットや電子書籍リーダーが近年、インターネット上では話題になっています。しかし実際にそれらが日本でどれだけの広がりを期待できるか、は未知数でしょう。無条件に楽観的になるほど見通しが良くもなく、悲観するほど売れないわけではない、といったところでしょうか。

仮に音楽ソフトがかつての「Vinyl」から「CD」、そして配信へと取って代わったように書籍の主流が電子書籍になったとします。そうなった時、世界に類を見ない、日本の見事な製紙技術が失われてしまうのではないか、という懸念を私は覚えずにはいられません。知識や知性と呼ばれるものの実像も、少なからず影響を受けると思われます。

しかし、紙でなければ実現できない表現方法を採用する場面もありますから、この先も紙の本がゼロになることはないでしょう。今回の展示会ではそんな懸念と可能性をない交ぜに感じさせられるような体験となりました。これもまた、用紙の持つ力に魅了された故のこと、でしょうね。

東京本社内にある「Pam東京」は、特種東海製紙の全製品を見ることができます。壁一面にファンシーペーパーのサンプルを収めた引き出しがあり、サンプルを自由に持ち帰れるようになっています。

※『田中一光とファンシーペーパー その色彩と質感へのまなざし』は、12月21日に終了しました。

●Pam東京のご案内 | ファンシーペーパーなら特殊紙専門メーカーの特種東海製紙

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グラフィックデザイン：DESIGN + SLIM

『デヴィッド・リンチ展～暴力と静寂に棲むカオス』 : 表現に強さを生むのは必然性

“新作を準備中” というデヴィッド・リンチ監督の写真・絵画展に行ってきましたが、意外な事に今回の展示は過去最大級だったそうです。また、10代後半の方が多く来場されていたのが意外でした。例えばパンクロックなどの音楽はいつの時代にも特定の年代に支持されるものですが、かつてはカルトヒーローだったリンチもそんなポジションに行きつつあるのかもしれません。

ところで、展示会のタイトルは『デヴィッド・リンチ展～暴力と静寂に棲むカオス』。らしいといえば、らしいですね。今回はキーワードになっている『暴力』と『静寂』について、私なりに考えをまとめてみます。結論から書きますと、タイトル通りに『暴力』と『静寂』、対立するこの二点がリンチ作品のホネになっていると感じました。映画に最も大切なのは主人公と敵、善と悪といった『対立の概念』だそうです。しかし、リンチや映画に限らず、そもそも西洋社会の表現のモチーフのほとんどは『対立』だったりします。そこで今回は「デヴィッド・リンチの『暴力』と『静寂』という対立」に絞って、色々と考えてみました。

リンチの『暴力』について、私がまず思い浮かぶのは、最高傑作『マルホランド・ドライブ』のオープニング、クルマの衝突事故です。衝突事故は言うまでもなく一大事なのですが、その事故も素朴に演出してしまうと、「意外とこんなものか。思っていたほどの画じゃないね」という画面になりがちだと思うのです。しかし、リンチの演出は衝突事故のシーンで「過去にこれ以上、暴力的な事故シーンはなかった」と感じられる演出がされています。（なってしまう？）時間にして二秒もないですし、これは私だけの感じたインパクトかもしれません。しかしこの二秒こそがリンチの持つ表現のパワーをストレートに現している、他の誰にも真似できない一瞬ではないか、と私は思わずにはいられません。

リンチの『暴力』について、次に私が思い浮かべるのは60年代後期のロスを舞台にした犯罪小説です。ケネディ暗殺の真相だったり、ハリウッドのスキャンダルだったり、マフィアが暗躍する小説、作家で言うとジェームズ・エルロイ辺りでしょうか。日本に住む私たちには不条理な世界観に没入するようなリンチの映画は、あまり現実的には思えないかもしれません。しかし、リンチの地元、ロスの人にはとてもリアリティのある世界観だそうです。このリアリティの差異が、ジェームズ・エルロイなんかの小説を読んでいればロスという土地にあるのは間違いないと感じるのですが、それ以上に重要だと思われるのがリンチ特有の恐怖感、『一皮めくれば常に別の世界がある』です。

リンチは幼い頃、グリーンピースが食べられませんでした。「おそらく、外側は張りがあって固いのに、中から飛び出てくるものは違った質感だからだろう」と本人は想起していましたが、実は『一皮めくれば常に別の世界がある』というこの恐怖はリンチの全作品を支配しています。『ブルー・ヴェルヴェット』のオープニングでも美しい芝生の下に蠢く虫のカットを入れていますが、この『一皮めくれば常に別の世界がある』という感覚は、先程の犯罪小説の『面白さ』のキモになっているもので、今回の写真・絵画展はそれら『別の世界』の破片を集めてきたような印象でした。

デヴィッド・リンチから、この展覧会に寄せたメッセージ作品。

『暴力』に対して、『静寂』はサバイバルの手段です。例えば『ワイルド・アット・ハート』のローラ・ダーンの台詞「この世界はワイルドなことばかりで……」や『イレイザー・ヘッド』のラジエーターの中の世界を参考にするのが良いでしょう。また、リンチが着想を得る方法が『ビッグ・ボーイ（ファミレス）でたっぷりの砂糖を摂って妄想に耽る』というやり方であったり、禅を習得しているという事実から、彼が『静寂』をとても大切に思っている事がわかります。世間で思われている『暴力』的、『奇異』なイメージは、彼自身ではなく、彼の恐怖する対象なのでしょう。

今回の展覧会の会場では2012年、ロンドンのフリーズ・アート・フェアで開催されたメモリー・マラソン2012のために制作された『Memory Film』という四分程度のショートフィルムが上映されていました。空爆のイメージに眼を覆っているリンチのもとにゴッホの自画像がヴィジョンとして降りてきて、彼が眼を開くという内容です。このショート・ムービーを観ていると、「ネットを使って効率良く情報を得る」みたいなライフスタイルは一見賢く思えるだけじゃないか、と思いました。何か疑問があったら考える前に脊髄反射的にすぐググる、みたいな習慣は悪習かもしれませんし、ネット上での議論はおよそ生産性のあるものではないでしょう。「自分自身を頼りに経験や技術に聞いてみるのではなく、自分以外のなにかに判断を委ねる習慣」、つまり他者に依存しすぎると、限りなく自分自身というものが希薄になっていきます。そういった希薄さはコミュニケーションに支障を来し、デザインすらもありきたりのものにしてしまう気がします。乱暴に言ってしまえば、「誰が、何を作っても関係ない」もので世界が溢れ返って、本来なくてはならないものが見えなくなって、結果として誰も彼も無価値な世界になってしまうという事です。

リンチの描く衝突事故がいかに衝撃的な衝突に見えるか、その非凡さについて先述しました。しかし、彼は不必要に観客を驚かすつもりはないのでしょう。事実、インタビュアーに彼が写真の素材に選んだヌードについて、「題材としてはありきたりではないか」と聞かれた際、リンチは「…やりたいと思ったらやってみるのが一番だ。まわりがどんなふうに受け取るだろうかとか、驚かせてやろうとか、考え始めたら、すでに方向を誤っていると思う」と答えています。

それでは彼の表現の持つ強さ、決して自分自身が希薄になどなっていない彼の表現方法とはなんでしょうか？「世界とは『一皮むくと常に別の世界がある』、見た目通りではない不安な場所である事を受け入れ、その不安に対処するために誰にも頼らず、自分自身を頼りにする事をまずは心掛ける事。自分自身を頼りにする事とは、まずは自分に問いかけてみる事」そんな何かではないか、と私は思います。よく、成功している会社のユニークな一面なんかがTVで紹介されていますが、そういった会社の経営者の方は自然とリンチと同じ事を実践されているのでしょう。そこに至るまでは多くの不安に悩まされ、二度と味わいたくないような挫折や気が遠くなる程の試行錯誤を繰り返されているに相違ありません。その過程を経てユニークさを獲得したのであって、どこか成功している会社の、例えば有名なGoogleのオフィスのユニークなデザインだけを真似てもGoogleと同じ結果は出せないのではないか、と思います。だから、「日本から何故、AppleやGoogleが生まれないのか？」とかそういう記事を読んで日本はもうダメだ、とか思わない方が良いですね。AppleはAppleだからAppleなのであり、GoogleはGoogleだからGoogleで、他の誰もAppleにもGoogleにもビートルズにもメッシにもピカソにもなれないのです。

『暴力』（不安や恐怖など）には『静寂』で対峙する。『静寂』は自分自身の中にあるのだから、むやみやたらと検索したりしないでまずは自分の中に解決法を探す。そこから生まれた答えや表現だけが、現実に力を得る。なぜなら、そういった答えや表現にはそれらが生まれいずる必然があり、貴方自身に最適化されたものなのだから（これはデザインは問題解決のための手段である、とするデザイナーに偏ったものの見方かもしれません）。

※『デヴィッド･リンチ展』は、12月2日に終了しました。

●ラフォーレミュージアム原宿 イベント情報｜デヴィッド･リンチ展～暴力と静寂に棲むカオス

前回のデヴィッド・リンチについての記事はこちら

●High Times R: 「デヴィッド・リンチ展 “David Lynch”」：アートとデザインの差異について

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グラフィックデザイン：DESIGN + SLIM

『伝えるデザインの力 ポーランドポスター展』：ポスターの力と役割・展覧会と現場にて

「ヨコハマ創造都市センター」で開催されている『伝えるデザインの力 ポーランドポスター展』を観てきました。

ポーランドポスターは、ポーランド特有の歴史を背景に独特の洗練を遂げ、世界中のデザイナーに多大な影響を与えています。今回はその作品群を一同に観られる滅多にない展覧会で、海外に出たことのない30点を含む全150点が展示されていました。ユーモラスなもの、インパクトのあるもの、ショッキングなものなど、強く印象に残る作品も多数あります。会場では海外の美術館によくあるようにフラッシュを使わなければ撮影も許可されていました。

ポーランドポスターといえば「ポーランドポスター学校」抜きには語れません。ポーランドポスター学校は、“学校” ではなくデザイナー集団の名称で、1955～1965年の10年にわたり活動していました。「ドイツのバウハウス」、「スイス派・ニューグラフィックデザイン運動」、「ロシア・アヴァンギャルド」と並び立つ、ポーランドのデザイン運動です。

ヤン・レニツァのポスター。手前はグラフィックデザイン史には必ずといっていいほど登場するオペラポスターの『ヴォツェック』で、第１回ワルシャワ国際ポスタービエンナーレで金賞を受賞した作品。

今回の展示の中でも『ポスターが持つ力を』改めて感じたのは、ヘンリク・トマシェフスキの作品です。彼の作品はポーランドポスター学校のメンバーの中でも特異な個性を持つものです。戦後の荒廃した時代にあって、ポーランドのポスターは多くの市民を勇気づけました。とりわけヘンリク・トマシェフスキのような作品はシンプルでありながら温かみが感じられる表現で、多くの市民の暮らしの中に、勇気や希望を提示してみせたのではないかと思います。

併せて開催された、勝井三雄さん・永井一正さん・中川憲造さん・松浦昇さんによるトークショーにも参加しました。その中で、ポーランドポスターの説明、ポーランドと日本のデザイナーとの関わり、ポーランドポスターと現代のポスターの比較、この展覧会を開催するための活動などのお話が議題として上がっています。そして総括として最近の傾向についてもお話しされ「現代ポスターの表現力が弱まっている」、「作家性を持った作家が減ってきている」 、「グローバル化は必要だけど平準化してきている」などといった問題提起をされていました。

この時代と現代の社会情勢や背景はあまりにも違い過ぎるため比較するのは難しいのですが、クライアントの意向やマーケティングデータとデザインが切り離せなくなった今、ポスターの原点とされるポーランドポスターを見直し、ポスターの在り方について考えてみる事は有効だと思います。そこには見過ごされてしまった大切なものや今こそ有効な方向性などを見出す可能性があるように考えられるからです。

近隣のレストランなどに貼るための小サイズのポスター。展覧会の図録のカバーとしても使用されており、購入者が３種類の中から好きな絵柄を選べるようになっています。

同展覧会のデザイン・ディレクターである中川憲造さんは、ポスターが似合う街で「この展覧会をどうデザインしていくか」ということを考え、ポスターの役割を見直されたそうです。また、そのポスターも伝えるという機能を超えて楽しさや明るさが伝わるように、使用目的に合わせてNDCグラフィックス、勝井三雄さん、永井一正さんが制作されたものなど数種類用意されてありました。デザイン関係の方だけでなく、近隣の方にポスターを見て会場に足を運んでもらえるように、そのための様々な工夫がされているようです。そのようなポスターは展覧会の会場だけでなく、『街の中に貼られてこそステージを得た』と言えるでしょう。会場への行き帰りにそれらポスターに注意を向けてみるのは、鑑賞を越えて使用価値・体験となり、より深い意味を感じ取れる機会となるでしょうね。

期間中は会場一階のカフェで、ポーランドの伝統的なお菓子（ポンチキとクレムフカ）も販売されていました。写真はクリームをパイ生地にはさんだ「クレムフカ」で、別名「法王のケーキ」と呼ばれているものです。

「ポーランドポスター展」は、12/3日（月）まで。

●伝えるデザインの力・ポーランドポスター展

『横尾忠則 初のブックデザイン展』：横尾忠則の仕事・オーラやイメージと呼ばれるもの

ギンザ・グラフィック・ギャラリーで開催されている「横尾忠則 初のブックデザイン展」を観てきました。

薄暗い会場入り口は強烈な蛍光ピンクで彩られ、地下スペースはここがギンザ・グラフィック・ギャラリーとは思えないようなアングラなイメージ。デザインを正確に見るにはもう少し明るさが欲しいところですが、この雰囲気は横尾忠則さんにはとても似合っているように感じました。この雰囲気も横尾さんが作り上げてきた作品であり、実績であり、人によってはオーラやイメージと呼ぶものなのでしょう。

「99.999……パーセント、著者の指名によって本の装丁の依頼が来る」横尾さん曰く、ご自身のブックデザインは「作家とデザイナーの『想像力と想像力のぶつかり合い』」。この展覧会もまた、あたかも「アーティスト：横尾忠則」と「デザイナー：横尾忠則」のぶつかり合いのような、激しいエネルギーと対峙する体験でした。

展示されているそれぞれの作品と、それに添えられたコメントは「なぜ、このデザインに至ったのか、その過程でどのようなことが起こったのか」などドキュメンタリータッチと言っても過言でないような、生々しい手触りを感じさせるものばかりです。とりわけ私の印象に残ったのは大きくディスプレイされていた「ブックデザインを時間と空間の芸術と考えている。だからデザインする時は映画の編集や、または彫刻を創るような気持ちで作業する」という言葉ですね。

草森紳一さんの『江戸のデザイン』の装幀では、資料をご自分で集めたり、編集部からもらったりして、内容は読まずにデザインを進めたそうですが、最も多く手がけている瀬戸内寂聴さんの装幀では、一言も注文がなくても何度もゲラを読み返してデザインにとりかかったそうです。同じ装幀の仕事でもまったく逆のアプローチでデザインを進めているのが興味深いです。

寺山修司さんの『書を捨てよ、町へ出よう』では、カバーをめくるとビートルズの写真が使われていました。そのまま使うと著作権使用料がかかるのでこっそり使ったということでしたが、これはどう考えても横尾さんだから成せる技です。（別会場にはジョン＆ヨーコと三人で写した写真もありました。）「こういうユーモアをとても大切にしている」そうですが、普通のデザイナーがこんなことをやってしまったら、ユーモアを通り越してデザイナー生命終了です。

その他にも三島由紀夫さんの装幀を手掛けた時の逸話など（三島さんはアートディレクターの立場で、ラフスケッチまで持って現れ、出来上がったデザインにも平気でやり直しの注文をつけたそうです。）、デザインが完成するまでのやりとりは本当に面白いものでした。とても参考になるものから、横尾さんならでは過ぎてまったく参考にならないものまで、見応えのある作品とコメントが揃っています。

同展覧会のポスター。

この展覧会と併せて、近々『横尾忠則 全装幀集』も発売されます。1957年から2012年の作品まで、55年間の装幀が約900点収録されるそうですよ。

「横尾忠則 初のブックデザイン展」は、11/27日（火）まで。

●ギンザ・グラフィック・ギャラリー

●TADANORI YOKOO OFFICIAL WEBSITE

●横尾忠則現代美術館

体験＞情報：ハーマンミラーポスター展『Then × Ten』

アクシスギャラリーで開催された「ハーマンミラーポスター展『Then x Ten』」を観てきました。

『Then × Ten』というタイトルは、チャールズ＆レイ・イームズ、アレキサンダー・ジラードなどが制作した過去のポスター10点（Then）と、現代のクリエイターが制作したポスター10点（Ten）を意味しています。展示はそれら新旧デザインのポスターと、そのモチーフとなった『アーロンチェアー』、『イームズシェルチェア』、『イームズラウンジチェア』などが併せて設置してあるという形式です。いずれもプロダクトデザイン史に残るハーマンミラー社の名作ですね。

新・旧のポスターの比較と、ポスターとそのモチーフになった実物の椅子の比較が出来る意味は、展示会を見学から体験のレベルまで、一気に引き上げてしまう工夫とも言えるでしょう。“体験＞情報” という現代のマーケティング理論や時代の風潮にもマッチしていると思います。実際、会場では椅子に座る事も撮影も許可されていて、主催者側の自信と制作物の良さを知ってもらうために重ねた “誠実な試行錯誤” を感じました。

手前のポスターは『ネルソンマシュマロソファ』をモチーフにした田名網敬一さんの作品（2012年）。

『アーロンチェア』と、それをモチーフに制作されたカム・タンのポスター（2012年）。

奥の壁のポスターは、アレキサンダー・ジラードの『テキスタイル＆オブジェクト』（1961年）。

『ネルソンココナッツチェア』背面と、それをモチーフに制作されたジョナサン・ザワダのポスター（2012年）。

今回私が一番惹かれたポスターは、エダ・アカルタンによる『イームズプライウッドチェア』（2012年）でした。この一枚のポスターで、「プライウッドチェア」の作者であるイームズ夫妻の暮らし、ロサンゼルスにある『イームズ邸』の様子、それらにまつわる色遣いなど、見事に表現されているのです。また、家・オフィス・学校など「どのような環境にも合う家具を作る」という、イームズ夫妻の信念までもが盛り込まれた作品になっていました。

旧作のポスターは有名な作品が多いので知っているものが多かったのですが、新作は未見のものばかりでしたので、それぞれイマジネーションの広がり方が大変に刺激的でした。モチーフとなった実物の椅子は答え合わせのためではなく、イメージソースに触れるためですね。アップルやハーマンミラーといった、会社がデザインを重視するのは売るためだけではなく問題解決のためであり、ユーザーに至上の体験を提供するためです。会場展示を公園の遊具で遊ぶように楽しみながら、デザインのストイックな一面を再確認した大変意味深い体験となりました。

※『Then x Ten』展は、11/7日に終了しました。

●ハーマンミラーのポスター展「Then x Ten」：AXIS企画・協力展 | デザイン情報 | AXIS

●ハーマンミラーのポスター展「Then x Ten」をアクシスギャラリーで開催 ：ニュース ＆ イベント ハーマンミラージャパン

●Eames Office

「DTPの勉強会 第8回」：カラーマネージメントを始めるためにやっておくべきこと

「DTPの勉強会 第8回」に参加しました。

今回のテーマは「カラーマネージメント」。

スピーカー：島崎肇則さん（@kar_kador）

聴き手：やもさん（やもめも）

　　　　あかつきさん（あかつき＠おばなのDTP稼業録）

★内容

「カラーマネージメント ～DTP・製作現場を中心に～」

　１. 環境について

　　  １-１. 光源と色の見え方

　　  １-２. 環境の整備

　２. ディスプレイについて

　　  ２-１. ディスプレイの種類

　　  ２-２. 調整の目標値

　　  ２-３. キャリブレーション

　３. プリンタの調整

　　  ３-１. プリンタの種類

　　  ３-２. RGB プリンタの調整

　　  ３-３. CMYK プリンタの調整

　４. データの取り扱い

　　  ４-１. CSのカラー環境設定

　　  ４-２. Photoshop

　　  ４-３. InDesign／Illustrator

カラーマネージメントとは、ディスプレイに表示される色、プリンタに出力した色、印刷した色など、異なるデバイス間の色をできるだけ同じ色に近づけるためのシステムです。今回はこのカラーマネージメントシステムの概念から実際のワークフローについて、すぐにできそうなことからここまでやればほぼ完璧というものまで、幅広く説明されました。

全体で見ると、ざっとこんな感じです。

１. 室内の照明（蛍光灯）の整備

２. 作業スペース・デスク周辺の整備

３. ディスプレイの選び方

４. ディスプレイの調整

５. プリンタの調整

６. アプリケーション（Adobe CS）の設定とデータの取り扱い

１～３は比較的取り入れやすいものですが、４～６はそれ相応の設備とテクニックが必要になります。１～３には、例えば下記のようなものがあるので、すぐに出来そうなことから始めてみましょう。

１. 室内の照明（蛍光灯）は、

・高演色性蛍光灯（5000K・昼光色／Ra90以上）を使用する。

・デスクライトにRa90以上を使用するのもOKです。

※K=ケルビンは色温度の単位で、色温度は紙白と同じが理想です。

　蛍光灯の色温度はパッケージなどに記載されています。

２. 作業スペース・デスク周辺の環境は、

・安定した光源を確保する。

・できるだけ無彩色の机や壁にする。

　（色が影響しないように）

・外光を遮るカーテンを使用する。

　（光の入り具合で色が変わるため）

・デスク周りを整理する。

３. ディスプレイの選び方

ディスプレイパネルの種類は、

・IPSパネル（視野角178度・見る角度によって色が変わらない）

・VAパネル

・TNパネル（視野角160度・見る角度によって色が変わる）

がありますが、視野角の広い「IPSパネル」がオススメだそうです。

※パネルの種類は、メーカーのスペック表などに記載されています。

４～６は、各種デバイスの調整とデータの運用になります。

・ディスプレイはキャリブレーションをして、色温度と輝度を

　調整し、黄味と青味を紙白のターゲットに近づける。

・ディスプレイとプリンタのプロファイルを正しく設定し適用する。

・データのプロファイルを正しく運用する。

など、正しく調整するための知識とテクニックが必要です。

デバイスの調整で大切なことは「トータルバランス」。

１点豪華主義でいくら高価な良いディスプレイを買ったとしても、キャリブレーションを行わなければ意味がない、とのこと。３～６はハードルが高いですが、導入する場合はセットで検討した方がよさそうです。

ここまで学んで、私はディスプレイと印刷の色の違いについては、普段あまりストレスを感じていいないことに気づきました。おそらく今までの経験から、印刷の色味を予想しながら作業することには慣れていたからでしょう。また、PDFファイルでの校正が増えたため、最近では自分で確認する以外にプリンタで出力する機会はほとんどなくなったことも大きいです。

それでも、厳密な色調整が必要なデータを扱う場合には、こういった設定は必要不可欠です。ここまでしっかりとした設定を行うことによって、かなり近い色味を表現できる作業環境は仕事の精度を高めてくれます。案件や予算などと照らし合わせて “どこまでやるか” という今後の参考にもなりました。

今回の勉強会に参加して、カラーマネージメントに関して断片的だった知識の全体像を把握できたことが一番の収穫です。先ずはデスク周りの小さなことから始めてみたいですね。

写真は、会場で配布された「RGBプリンタ」と「CMYKプリンタ」の出力サンプルです。それぞれ上段が「ドライバデフォルト設定」、下段が「ユーザ作成プロファイル適用」の出力です。プロファイルが適用されたものは、かなり忠実に色味が再現されているのが解ります。

DTPの勉強会【DTPの勉強会第8回】（2012年9月22日開催）

『おおかみこどもの雨と雪』は、あまりに真っ当な傑作エンターテインメント作品だった。

話題性では他作品に譲るものの、作品評価がずば抜けて高い『おおかみこどもの雨と雪』。期待以上の映画でした。予想外だったのは、いかにもファミリー向け映画のような可愛らしいヴィジュアル・イメージに反して、大人向けの文芸作品だったこと。『女の一生』というフランスの小説がありますが、『おおかみこどもの雨と雪』はそんな言葉がぴったりとくるような作品でした。

普通、物語というのは主人公の『成長』を描くものです。『成長』は、主人公が絶望的にわかり合えそうにない誰かと出会ったり、信じて疑わなかった常識が覆されるような世界に足を踏み入れる事で促されます。主人公を成長させる『わかりあえない存在』のことを批評では『他者』と呼んでいます。そのような自分と他者のギャップを描くこと、それが文芸作品の主たるテーマです。

それではどうして『おおかみこどもの雨と雪』は文芸作品なのでしょうか？　ききわけなく泣き喚いたりする幼い子供を真摯に育て上げることは「『他者』と向き合う」ということで、本作が「そんな微笑ましくも過酷な暮らしが、主人公・花を線の細い少女からたくましい母親へと成長させてゆく」物語だからです。ただし、作品には非常に幅広く、様々なテーマが込められています。これだけ豊かな物語ですから、前述のように大雑把に物語の説明をすると大切なもののほとんどがこぼれ落ちてしまいます。また、ネタバレになっては申し訳ないので、内容についてはこの程度にとどめておきましょう。

大人向け、文芸作品などと書いてしまったので、高尚で難解なイメージに思われるかもしれないのですが、ワンシーンも退屈させない、濃密なエンターテインメントに仕上がっています。小難しく退屈な映画にしない為に、監督は元気いっぱいでやんちゃな子供たち（『他者』）をおおかみという野生動物に置き換えて、素敵なファンタジーに仕上げました。母と子の物語をファンタジーへとデザインする。これは “企画のデザイン力” ですね。デザインには『問題解決の手段』という役割がありますから、ここはデザインという言葉で正しいでしょう。

　・過去の名作をリメイク ＝ 焼き直し

　・ハードルの高い文芸作品でお客さんを呼ぶ為に

　　ファンタジーにする ＝ デザイン

という事です。

登場人物のスタイリングに、スタイリストの伊賀大介さんが参加されている事も話題になっていますが、これはお洒落な映画を作るとか、キャッチーを狙うというよりも、演出効果を狙っているのでしょう。都会で着るような可愛らしいカットソーを着て畑仕事をやらせて、畑仕事に不慣れな感じを出してみたり。正しく映画のスタイリングだと感じました。（映画において『正しく』とは、台詞で語らないという事です）

思い返してみれば、細田守監督の最近の作品、『時をかける少女』、『サマーウォーズ』のポスターは全て、お客さんを呼べるデザインになっていますよね。なにか楽しいものが観られるんじゃないか、特別な体験になるんじゃないかという期待を掻き立てるような魅力的なヴィジュアルです。『おおかみこどもの雨と雪』のヴィジュアルもまた、例外ではありません。

映画本編が終わったら、「そもそも主人公の花が物語の最初、どんな女の子だったのか」を思い出してみてください。あまりに都合の良い、それ故に心の底からは共感出来ないハッピーエンドの物語では絶対に味わえない、ほろ苦いけどリアルなハッピーエンドが強くあなたの心を揺さぶってくるはずです。

映画「おおかみこどもの雨と雪」