『ふたりのイームズ：建築家チャールズと画家レイ』：地に足の着いた真っ当なドキュメンタリ。『来なかった未来』の遊び。あるいは21世紀、私たちの欠落。

チャールズ＆レイ・イームズのサクセス・ストーリーかと思いきや、落ち着いた眼差しの、真っ当なドキュメンタリー映画です。

二人の華々しい成功だけではなく、普通人としての苦悩や葛藤についても丁寧に描かれていました。デザイナーとして、経営者として、あまりにもありきたりな問題から始まり、夫婦の間のデリケートな問題に至るまで、メディアを通さずに身近でやりとりを観察しているような感じです。

言うまでもなく、デザインの歴史に巨大なインパクトを遺した世界的なデザイナーも、一般的な人間です。

ただ、第一線で活躍するプロは仕事に打ち込む情熱、完成度を求めるハングリーさが想像を遥かに上回るものです。
寺山修司は「歌うミック・ジャガーを観て、誰かが悪魔だと言った。その時、ミック・ジャガーは悪魔になった。自分から悪魔だとはミック・ジャガーは言わない」というような事を書いています。
デザインの世界だけではなく、すべての職業において、大物スターという名誉職があるわけではなく、その実績を尊敬されてこそ、「大物」になる。そういった当たり前な職業観というか、生活や人生の捉え方が、この映画の基調になっているのです。

だから『神のようなデザイナー、イームズが悪戦苦闘の末に後世に残るような成功を修めたサクセス・ストーリー』というような安っぽさと引き換えに、痛みが伴うかわりに多くのことを学び、考えるきっかけになったのだと思います。

少なくとも私にはそういう映画でした。

現役時代のイームズ夫妻にとって良かったことは、とにかく「前例がなかったこと」です。前例がないということは、リスクだけではなくてイメージを伝える事が困難だったりと、色々と大変ではありますが、１からビルドアップしていく機会、今、自分のやっている事がリアルに歴史を作っているような、エキサイティングで、充実した境遇とも言えます。先日の『カリフォルニア・デザイン』展でも、柔軟性を持って社会と密接に関わる「若々しい自由」をリアルに感じました。イームズ・オフィスは厳しいことで有名でしたが、チャールズとレイはもちろん、映画の中で自信たっぷりに語るスタッフたちを見ていると、いいオフィスだったのでしょう。

映画鑑賞後にアップリンク（渋谷）に飾られた『ウッドシェルチェア』を目にすると、感慨深いものがありました。『ウッドシェルチェア』は当時の技術では実現出来なかった椅子ですが、現在の3D成形技術によって完成させたものがこの度、発売されます。当時、この3D成形技術があれば作っていた可能性は大いにありますが、現在、イームズ夫妻が現役だったら、この椅子が作られることはなかったでしょう。一般の人に思いつかない事をしていたのがイームズ夫妻ですから、もっと違った何かを作っているはずです。この椅子には60年代に多く見られるアトミックなデザイン、21世紀の空飛ぶクルマ、タイムマシーンに代表される『来るはずだった未来』を感じます。私は、魅力的なデザインを持ちながら、実際の21世紀には若干の居心地悪さを感じる佇まいが、嫌いではありません。繰り返される試行錯誤とファンタジー、過去（60年代）と未来（現在）のないまぜとなって現れたカタチは「遊び」であり、そういった「遊び」が失われてしまえば、世界は味気ないものとなってしまうと思うからです。

イームズ夫妻は魅力的な二人のポートレートを数多く公開しています。微笑む二人のポートレートからは、オフィスや家庭の様々な問題など微塵も感じられません。彼らが創作する魅力的なプロダクトと生活はその時代のシンボル、大衆が主人公となった時代の、幸福や豊かさの象徴となりました。
豊かさに向かって邁進する60年代当時の明るさの背景には当然、貧しさがあります。（暮らし向きが良くなる、とか）
現在、私たちは物質的な豊かさの中にあって、別の豊かさを探している時代に生きていると思います。
今の豊かさの中に「ないもの」は、イームズ夫妻の時代に「ないもの」とは違うものです。現在の欠落に眼を向け、デザインで解決する事。私は「イームズ夫妻が現在、第一線で活躍していたらそんな事をしているのではないか」という想像をせずにはいられませんでした。

●映画『ふたりのイームズ：建築家チャールズと画家レイ』公式サイト

『カリフォルニア・デザイン』展の記事はこちら

●『カリフォルニア・デザイン 1930-1965 －モダン・リヴィングの起源－』：見るべきは作品ではなく、デザインを通して見えてくるもの。 

───────────────────

グラフィックデザイン：DESIGN + SLIM

『カリフォルニア・デザイン 1930-1965 －モダン・リヴィングの起源－』：見るべきは作品ではなく、デザインを通して見えてくるもの。

私の理解ではカリフォルニア・デザインとは、「大衆の為のデザイン」です。「『大衆』は大量生産大量消費の為に、テレビに作られた」という言葉があります。今回のカリフォルニア・デザイン展のポスターに「1930-1965」という時代設定が表記されています。この時代設定を眼にして、『大衆』という概念が頭をよぎったのは、この時代がおそらくはテレビの台頭と合致するからでしょう。

カリフォルニア・デザインの大雑把な背景は、戦地から兵隊が戻ってきたり、新しい産業が次々に興ったりしてカリフォルニアの人口が爆発的に増加。住宅・オフィスが足りなくなって建設ラッシュに。生活・就労人口が増えたのでモノも足りない。プラスティックが誕生して、今まで木工と金属が中心だった工業製品が手作業ではなくて工場で大量生産されるようになる。大量生産が出来るようになると、生産コストが下がる。生産コストが下がると価格も下がる。みんな（大衆）が多くを手に入れられるようになり、家庭や市場にモノが溢れ返る……といった感じでしょう。

移民の流入など他にも色々あるのでしょうけど、様々な要因があり、その結果として「大衆の為のデザイン＝カリフォルニア・デザイン」というものが形成された、という理解の順序で大方、正しいと思います。

「大衆のためのデザイン」というと階級闘争的な、政治的・社会的なイメージかもしれませんが、そういう事ではなくて社会事情やテクノロジーの進化が背景にあって、結果としてこうなったという理解が正解だと思うのです。芸術「運動」とは明らかに違うのですね。

事実、この展覧会の展示物は一般的な商品であり、道具であったりします。デザインの背景にある時代の潮流やヒトの歴史を感じながら、あくまでPopであるデザインの数々には、芸術作品とは違った力がありました。例えて言うならば、美術館で本物の絵画に触れる感じではなく、博物館で巨大な化石を観る感じです。作品ではなく、歴史を観ているような印象を受けます。そんな風に「名作絵画を一気に集めた展覧会とは違う」と気付いた時、私にはいつも美術館で観る展覧会とは違ったものが見えてきました。

「デザインを通して歴史を知り、その上でこれからの社会と、デザイナーはどのようにコミットしていくのか？」

会場展示はほぼ時系列で作られていたと思います。ラストの展示物は『Endless Summer』のポスターでした。当然ながら、『Endless Summer』という言葉は「夏は終わる」と自覚したからこそ、生まれた言葉です。

カリフォルニア・デザインが提示してきた価値観、理想や幸福のイメージが終わる、そんな予感が現代にあるのかもしれません。最後の展示物である『Endless Summer』のポスター、そしてアメリカを代表とした「大量生産・大量消費の時代」のシンボルとも言えるカリフォルニア・デザイン展が開かれた事は、その予感の現れかと思うのです。終わるのは大衆ではなく、大量生産・大量消費時代であり、時代は次へとシフトするのでしょう。「幸せ」、「豊かさ」という概念も変わるかもしれません。

デザインはどこにでもあります。だからこそ、社会や歴史についても論理的な理解を深めて、抽象的な思考を獲得していく事が重要です。

平たく言えば「もっとデザインを学ばなくてはならないんだけど、学ぶと言っても美術館に通うだけではなく、目の前の日常にデザインがどうコミットしているのかを考え続ける事が大切なのではないか？」という事です。

「デザインを通して歴史を知り、その上でこれからの社会と、デザイナーはどのようにコミットしていくのか？」

提示される問題は抽象的ですが、デザイナーである私が返す答えは具体的でなければならず、私は具体的な答えを出せるように抽象的な、形の無いものについて、あまりにリアルな目の前の生活を見ながら考え続けなくてはならず……と自問自答の無限ループみたいな感じでより深く掘り下げていく事。なんだか目眩がしそうですが、カリフォルニア・デザイン展にその仕事を展示されていた先人たちはきっとそれをやっていたので、私も同様にやるしかないのですね。

今回の展覧会に合わせて出版された、ロサンゼルス・カウンティ美術館発行の『California Design, 1930-1965: Living in a Modern Way』日本語版（新建築社）。

カリフォルニア・デザイン 1930-1965 －モダン・リヴィングの起源－　California Design, 1930-1965: "Living in a Modern Way"

●国立新美術館 THE NATIONAL ART CENTER, TOKYO

───────────────────

グラフィックデザイン：DESIGN + SLIM

体験＞情報：ハーマンミラーポスター展『Then × Ten』

アクシスギャラリーで開催された「ハーマンミラーポスター展『Then x Ten』」を観てきました。

『Then × Ten』というタイトルは、チャールズ＆レイ・イームズ、アレキサンダー・ジラードなどが制作した過去のポスター10点（Then）と、現代のクリエイターが制作したポスター10点（Ten）を意味しています。展示はそれら新旧デザインのポスターと、そのモチーフとなった『アーロンチェアー』、『イームズシェルチェア』、『イームズラウンジチェア』などが併せて設置してあるという形式です。いずれもプロダクトデザイン史に残るハーマンミラー社の名作ですね。

新・旧のポスターの比較と、ポスターとそのモチーフになった実物の椅子の比較が出来る意味は、展示会を見学から体験のレベルまで、一気に引き上げてしまう工夫とも言えるでしょう。“体験＞情報” という現代のマーケティング理論や時代の風潮にもマッチしていると思います。実際、会場では椅子に座る事も撮影も許可されていて、主催者側の自信と制作物の良さを知ってもらうために重ねた “誠実な試行錯誤” を感じました。

手前のポスターは『ネルソンマシュマロソファ』をモチーフにした田名網敬一さんの作品（2012年）。

『アーロンチェア』と、それをモチーフに制作されたカム・タンのポスター（2012年）。

奥の壁のポスターは、アレキサンダー・ジラードの『テキスタイル＆オブジェクト』（1961年）。

『ネルソンココナッツチェア』背面と、それをモチーフに制作されたジョナサン・ザワダのポスター（2012年）。

今回私が一番惹かれたポスターは、エダ・アカルタンによる『イームズプライウッドチェア』（2012年）でした。この一枚のポスターで、「プライウッドチェア」の作者であるイームズ夫妻の暮らし、ロサンゼルスにある『イームズ邸』の様子、それらにまつわる色遣いなど、見事に表現されているのです。また、家・オフィス・学校など「どのような環境にも合う家具を作る」という、イームズ夫妻の信念までもが盛り込まれた作品になっていました。

旧作のポスターは有名な作品が多いので知っているものが多かったのですが、新作は未見のものばかりでしたので、それぞれイマジネーションの広がり方が大変に刺激的でした。モチーフとなった実物の椅子は答え合わせのためではなく、イメージソースに触れるためですね。アップルやハーマンミラーといった、会社がデザインを重視するのは売るためだけではなく問題解決のためであり、ユーザーに至上の体験を提供するためです。会場展示を公園の遊具で遊ぶように楽しみながら、デザインのストイックな一面を再確認した大変意味深い体験となりました。

※『Then x Ten』展は、11/7日に終了しました。

●ハーマンミラーのポスター展「Then x Ten」：AXIS企画・協力展 | デザイン情報 | AXIS

●ハーマンミラーのポスター展「Then x Ten」をアクシスギャラリーで開催 ：ニュース ＆ イベント ハーマンミラージャパン

●Eames Office

「d47MUSEUM」の『NIPPON DESIGN TRAVEL – 47都道府県のデザイン旅行』多様性が育む豊かさについて

オープンの混雑が落ち着いた頃、渋谷ヒカリエ８階「8/(ハチ)」にある

・「d47MUSEUM」

・「d47 design travel store」

・「d47食堂」

に行ってきました。

ここは「D&DEPARTMENT」の新プロジェクトです。以前よりナガオカケンメイさんの「D&DEPARTMENT PROJECT」の活動に関心があったので、今回の「d47」のオープンをとても楽しみにしていました。

「d47MUSEUM」ではオープニングエキシビションの『NIPPON DESIGN TRAVEL – 47都道府県のデザイン旅行』展を鑑賞しました。こちらは47の展示台があり「47都道府県の情報を知る事ができる」ギャラリーです。ここでは「観光・食事・お茶・買物・宿泊・人」という６つの視点によって選ばれたものが展示されていました。

ナガオカさんと「D&DEPARTMENT」のフィルターを通して選ばれたものは、伝統工芸的なものだけでなく、新しいプロジェクトや取り組みの紹介もあり、この取り合わせ自体が “手術台の上のミシンとこうもり傘の美しい出会い” 的な刺激であり、かと言ってそちら方向だけに偏ったものにはしない、絶妙なバランス感覚です。思わず手に取りたくなるようなものも多くありました。（※会場全体の写真撮影はOKでした。）

ナガオカさんは「d47」オープンにあたって、

・「東京に住んで、地方の仕事なんて絶対に出来る訳が無い」

・「今度は、東京が地方からクリエイションを学ぶ番」

と言われていて、その言葉がとても印象に残っています。

実際、ナガオカさんは日本中のあちこちに足を運んで、作り手やモノ、サービスに出会い、ご自分で確認されたものを選びとっていらっしゃいますが、こういう「確かさ」は、昨今の「やがて情報は無料になるが、体験にはお金を払う」というイメージに微妙に通じている印象、「腑に落ちる裏付け」のように私は感じました。（※誤解のないように、二つの言葉にまつわる全文は、ナガオカケンメイさんの4月29日のFacebookでご確認ください。）

「d47 design travel store」では、展示されていたものを実際に買うことができるショップが併設されています。そこにあるものを手に取って現地の風景に想いを馳せる……そんな豊かな想像体験が意外と楽しい。高価なもの・安くても良質な食材など各種ありましたが、暮らしを豊かにするのは、「持ち物の数や価格ではなく、こういう価値観に束ねられた多様性」かもしれません。「選択出来る」はそれ自体、「自由」だと思うのです。

「d47食堂」では、大阪の旬野菜のだし煮込み定食をいただきました。日本各地から集められた陶器・浄法寺の漆腕と、素材そのものを活かしたお料理の組み合わせ。「絶妙なマッチングって発見だな」と、「奇をてらった組み合わせだけが刺激ではないんだな」と、再確認してみたり。

「旬野菜のだし煮込み定食」1,500円。大阪文化のお出汁で

煮込んだ旬野菜と、牛すじの土手焼と泉州水なすの小鉢。

イギリスのビートルズやローリング・ストーンズの誕生に、ブルースというアメリカの古いブラック・ミュージックが大きく貢献しています。「何故、ブルース発祥のアメリカではなく、イギリスからこのような新しいムーブメントが発生したのか」とインタビュアーに尋ねられたシカゴ・ブルースの大御所、マディ・ウォーターズは「当時のアメリカの音楽シーンは、家に沢山食べ物があるのに裏庭で泣いている子供のようだった」と応えています。

「日本全国、その地に特有の豊かさがあるのだから、

“裏庭で泣いている子供” になってはいけない」

そんなことを、マディ・ウォーターズの言葉と共に各県の展示やショップを観ながら思いました。

地域のデザインを通して、もう一度日本を見つめ直す機会となる『NIPPON DESIGN TRAVEL – 47都道府県のデザイン旅行』展は、5月28日（月）まで開催されています。

8/04/d47 MUSEUM/D&DEPARTMENT PROJECT/NIPPON DESIGN TRAVEL - 47都道府県のデザイン旅行 -

●d47MUSEUM

8/04/d47 MUSEUM/D&DEPARTMENT PROJECT

●d47 design travel store

8/05/d47 design travel store/D&DEPARTMENT PROJECT

●d47食堂

8/06/d47 SHOKUDO/D&DEPARTMENT PROJECT/

●D&DEPARTMENT

D&DEPARTMENT PROJECT

『ハーマンミラーのグラフィックデザインの変遷と石巻復興プロジェクトでの取り組みについて』のセミナー

東京・丸の内のハーマンミラーストアで
『ハーマンミラーのグラフィックデザインの変遷と
石巻復興プロジェクトでの取り組みについて』の
セミナーに参加してきました。
（準備されていた椅子が「イームズ」で嬉しい♪）

「ハーマンミラー社」は、
『デザインとは問題を解決するためにある』という考えのもと、
「ジョージ・ネルソン」「チャールズ＆レイ・イームズ」
「イサム・ノグチ」「アレキサンダー・ジラード」等、
優れたデザイナーたちの数々の名作を世に送り出した会社です。

今回のセミナーでは、スティーブ・フリックホルム氏
（本社のヴァイス・プレジデント兼クリエイティブディレクター）
から2週間の石巻復興プロジェクトでの活動報告、
3.11の震災後、企業としてどのような支援活動をしてきたか、
ハーマンミラーのグラフィックデザイン（主にロゴ）の
変遷についてもお話しいただきました。


震災から半年が経過した今、何ができるのかを考えた結果、
地域のものづくりのための場をつくる「石巻工房」の活動に賛同し、
石巻復興のために12名の社員有志によるボランティアチームを結成。
そして2週間石巻に滞在し、仮設住宅のための家具の製作と提供、
家具作りのワークショップ、カレンダーやポストカードの制作等、
被災地復興活動の支援を行ったそうです。

ハーマンミラーの「石巻工房プロジェクト」の被災地支援は、
ここでも『問題解決のためのデザインをすること』。
その場限りではなく「石巻工房」を法人化し、ひとつの事業として
やっていくのが最終的な目標だとお話しされていました。
そのために町工場並みの機材を提供し、商品として売れるもの、
欲しいと思われるものをつくり流通させていく。

「石巻工房」では今後も身の回りの家具を作ったり、
デザイナーが提案する小物を地域の方たちと製作する
ワークショップを開催していくそうです。

セミナー告知があるまで、ハーマンミラーが震災後の日本に
こんなに尽くしてくれていたことを知りませんでした。
本当に、改めて素晴らしい会社だと思いました！！！
「石巻工房プロジェクト」のような取り組みは、日本以外の国でも
災害が起こってしまった地域等で実施しているそうです。

一年前にオープンした丸の内のショップに今回初めて行きました。
ハーマンミラーで活躍したデザイナーも決して順風満帆ではなく、
様々な時を経て生み出された作品を観ると胸がいっぱいになります。
もし「ハーマンミラー社」がなかったら、
アメリカのモダンデザイン史も変わっていたかもしれない。
これらの活動も創業106年の歴史の中のほんの一部なのです。


ハーマンミラーについての詳しい紹介は、
渡辺力さんの『ハーマンミラー物語』（平凡社）がお勧めです。
ハーマンミラー物語 イームズはここから生まれた

●石巻工房HP Ishinomaki Laboratory
●ハーマンミラージャパンHP Herman Miller - Japan - Home Page
●Herman Miller Business Services for Contract Customers

eneloopy（エネルーピー）

「eneloop（エネループ）」が、2005年11月に発売されてから、
今年の10月末でグローバルでの累計出荷が1億個だそうです。
わたしも持ってます！　繰り返し使えて便利です！
そして今月14日には、キャラクター「eneloopy」のセット、
12/1には｢eneloop｣の8色カラーパックが発売されるそうです。
おー、これはほしい！　たとえ持っていてもほしい！！！
こんな遊び心ある商品&デザインは、やっぱり魅力的ですね〜☆
funfun eneloopy 三洋電機株式会社
エネルーピーの日記｜funfun eneloopy｜三洋電機

STARBUCKS COFFEE「BLACK APRON」

　
近所にスタバができたので喜んでたら、、、
しかもそれが「ブラックエプロン」だった！！！　嬉し〜♪
マグも普通のショップと違ってて、黒くて丸い感じのデザイン。
これが飲みやすいし、手触りもとても心地いい。
久しぶりにタンブラーを持って出かけようかとも思ったけど、
すっかりこのマグが気に入ってしまった。。。

お店の入り口には、
「Journeys in a Cup
　試して、話して、体験して。
　コーヒーの世界をお楽しみください。」
と、書いてあります。これからの楽しみがひとつ増えました☆
スターバックスコーヒー｜ブラックエプロン

小川珈琲と清水焼

小川珈琲では、コーヒーは色鮮やかな素敵なカップに入っている。テーブルに運ばれてきた時、思わず「奇麗！」と言うと、お店の方が「清水焼ですよ」と教えてくれた。京都で作られている焼物の総称を「京焼」といい、それぞれの窯元ごとに特色があるらしい。コーヒーももちろん美味しいけど、素敵な焼物でいただくとまた格別。。。
京焼・清水焼オリジナルコーヒーカップ（小川珈琲）