『伝えるデザインの力 ポーランドポスター展』：ポスターの力と役割・展覧会と現場にて

「ヨコハマ創造都市センター」で開催されている『伝えるデザインの力 ポーランドポスター展』を観てきました。

ポーランドポスターは、ポーランド特有の歴史を背景に独特の洗練を遂げ、世界中のデザイナーに多大な影響を与えています。今回はその作品群を一同に観られる滅多にない展覧会で、海外に出たことのない30点を含む全150点が展示されていました。ユーモラスなもの、インパクトのあるもの、ショッキングなものなど、強く印象に残る作品も多数あります。会場では海外の美術館によくあるようにフラッシュを使わなければ撮影も許可されていました。

ポーランドポスターといえば「ポーランドポスター学校」抜きには語れません。ポーランドポスター学校は、“学校” ではなくデザイナー集団の名称で、1955～1965年の10年にわたり活動していました。「ドイツのバウハウス」、「スイス派・ニューグラフィックデザイン運動」、「ロシア・アヴァンギャルド」と並び立つ、ポーランドのデザイン運動です。

ヤン・レニツァのポスター。手前はグラフィックデザイン史には必ずといっていいほど登場するオペラポスターの『ヴォツェック』で、第１回ワルシャワ国際ポスタービエンナーレで金賞を受賞した作品。

今回の展示の中でも『ポスターが持つ力を』改めて感じたのは、ヘンリク・トマシェフスキの作品です。彼の作品はポーランドポスター学校のメンバーの中でも特異な個性を持つものです。戦後の荒廃した時代にあって、ポーランドのポスターは多くの市民を勇気づけました。とりわけヘンリク・トマシェフスキのような作品はシンプルでありながら温かみが感じられる表現で、多くの市民の暮らしの中に、勇気や希望を提示してみせたのではないかと思います。

併せて開催された、勝井三雄さん・永井一正さん・中川憲造さん・松浦昇さんによるトークショーにも参加しました。その中で、ポーランドポスターの説明、ポーランドと日本のデザイナーとの関わり、ポーランドポスターと現代のポスターの比較、この展覧会を開催するための活動などのお話が議題として上がっています。そして総括として最近の傾向についてもお話しされ「現代ポスターの表現力が弱まっている」、「作家性を持った作家が減ってきている」 、「グローバル化は必要だけど平準化してきている」などといった問題提起をされていました。

この時代と現代の社会情勢や背景はあまりにも違い過ぎるため比較するのは難しいのですが、クライアントの意向やマーケティングデータとデザインが切り離せなくなった今、ポスターの原点とされるポーランドポスターを見直し、ポスターの在り方について考えてみる事は有効だと思います。そこには見過ごされてしまった大切なものや今こそ有効な方向性などを見出す可能性があるように考えられるからです。

近隣のレストランなどに貼るための小サイズのポスター。展覧会の図録のカバーとしても使用されており、購入者が３種類の中から好きな絵柄を選べるようになっています。

同展覧会のデザイン・ディレクターである中川憲造さんは、ポスターが似合う街で「この展覧会をどうデザインしていくか」ということを考え、ポスターの役割を見直されたそうです。また、そのポスターも伝えるという機能を超えて楽しさや明るさが伝わるように、使用目的に合わせてNDCグラフィックス、勝井三雄さん、永井一正さんが制作されたものなど数種類用意されてありました。デザイン関係の方だけでなく、近隣の方にポスターを見て会場に足を運んでもらえるように、そのための様々な工夫がされているようです。そのようなポスターは展覧会の会場だけでなく、『街の中に貼られてこそステージを得た』と言えるでしょう。会場への行き帰りにそれらポスターに注意を向けてみるのは、鑑賞を越えて使用価値・体験となり、より深い意味を感じ取れる機会となるでしょうね。

期間中は会場一階のカフェで、ポーランドの伝統的なお菓子（ポンチキとクレムフカ）も販売されていました。写真はクリームをパイ生地にはさんだ「クレムフカ」で、別名「法王のケーキ」と呼ばれているものです。

「ポーランドポスター展」は、12/3日（月）まで。

●伝えるデザインの力・ポーランドポスター展

『横尾忠則 初のブックデザイン展』：横尾忠則の仕事・オーラやイメージと呼ばれるもの

ギンザ・グラフィック・ギャラリーで開催されている「横尾忠則 初のブックデザイン展」を観てきました。

薄暗い会場入り口は強烈な蛍光ピンクで彩られ、地下スペースはここがギンザ・グラフィック・ギャラリーとは思えないようなアングラなイメージ。デザインを正確に見るにはもう少し明るさが欲しいところですが、この雰囲気は横尾忠則さんにはとても似合っているように感じました。この雰囲気も横尾さんが作り上げてきた作品であり、実績であり、人によってはオーラやイメージと呼ぶものなのでしょう。

「99.999……パーセント、著者の指名によって本の装丁の依頼が来る」横尾さん曰く、ご自身のブックデザインは「作家とデザイナーの『想像力と想像力のぶつかり合い』」。この展覧会もまた、あたかも「アーティスト：横尾忠則」と「デザイナー：横尾忠則」のぶつかり合いのような、激しいエネルギーと対峙する体験でした。

展示されているそれぞれの作品と、それに添えられたコメントは「なぜ、このデザインに至ったのか、その過程でどのようなことが起こったのか」などドキュメンタリータッチと言っても過言でないような、生々しい手触りを感じさせるものばかりです。とりわけ私の印象に残ったのは大きくディスプレイされていた「ブックデザインを時間と空間の芸術と考えている。だからデザインする時は映画の編集や、または彫刻を創るような気持ちで作業する」という言葉ですね。

草森紳一さんの『江戸のデザイン』の装幀では、資料をご自分で集めたり、編集部からもらったりして、内容は読まずにデザインを進めたそうですが、最も多く手がけている瀬戸内寂聴さんの装幀では、一言も注文がなくても何度もゲラを読み返してデザインにとりかかったそうです。同じ装幀の仕事でもまったく逆のアプローチでデザインを進めているのが興味深いです。

寺山修司さんの『書を捨てよ、町へ出よう』では、カバーをめくるとビートルズの写真が使われていました。そのまま使うと著作権使用料がかかるのでこっそり使ったということでしたが、これはどう考えても横尾さんだから成せる技です。（別会場にはジョン＆ヨーコと三人で写した写真もありました。）「こういうユーモアをとても大切にしている」そうですが、普通のデザイナーがこんなことをやってしまったら、ユーモアを通り越してデザイナー生命終了です。

その他にも三島由紀夫さんの装幀を手掛けた時の逸話など（三島さんはアートディレクターの立場で、ラフスケッチまで持って現れ、出来上がったデザインにも平気でやり直しの注文をつけたそうです。）、デザインが完成するまでのやりとりは本当に面白いものでした。とても参考になるものから、横尾さんならでは過ぎてまったく参考にならないものまで、見応えのある作品とコメントが揃っています。

同展覧会のポスター。

この展覧会と併せて、近々『横尾忠則 全装幀集』も発売されます。1957年から2012年の作品まで、55年間の装幀が約900点収録されるそうですよ。

「横尾忠則 初のブックデザイン展」は、11/27日（火）まで。

●ギンザ・グラフィック・ギャラリー

●TADANORI YOKOO OFFICIAL WEBSITE

●横尾忠則現代美術館

体験＞情報：ハーマンミラーポスター展『Then × Ten』

アクシスギャラリーで開催された「ハーマンミラーポスター展『Then x Ten』」を観てきました。

『Then × Ten』というタイトルは、チャールズ＆レイ・イームズ、アレキサンダー・ジラードなどが制作した過去のポスター10点（Then）と、現代のクリエイターが制作したポスター10点（Ten）を意味しています。展示はそれら新旧デザインのポスターと、そのモチーフとなった『アーロンチェアー』、『イームズシェルチェア』、『イームズラウンジチェア』などが併せて設置してあるという形式です。いずれもプロダクトデザイン史に残るハーマンミラー社の名作ですね。

新・旧のポスターの比較と、ポスターとそのモチーフになった実物の椅子の比較が出来る意味は、展示会を見学から体験のレベルまで、一気に引き上げてしまう工夫とも言えるでしょう。“体験＞情報” という現代のマーケティング理論や時代の風潮にもマッチしていると思います。実際、会場では椅子に座る事も撮影も許可されていて、主催者側の自信と制作物の良さを知ってもらうために重ねた “誠実な試行錯誤” を感じました。

手前のポスターは『ネルソンマシュマロソファ』をモチーフにした田名網敬一さんの作品（2012年）。

『アーロンチェア』と、それをモチーフに制作されたカム・タンのポスター（2012年）。

奥の壁のポスターは、アレキサンダー・ジラードの『テキスタイル＆オブジェクト』（1961年）。

『ネルソンココナッツチェア』背面と、それをモチーフに制作されたジョナサン・ザワダのポスター（2012年）。

今回私が一番惹かれたポスターは、エダ・アカルタンによる『イームズプライウッドチェア』（2012年）でした。この一枚のポスターで、「プライウッドチェア」の作者であるイームズ夫妻の暮らし、ロサンゼルスにある『イームズ邸』の様子、それらにまつわる色遣いなど、見事に表現されているのです。また、家・オフィス・学校など「どのような環境にも合う家具を作る」という、イームズ夫妻の信念までもが盛り込まれた作品になっていました。

旧作のポスターは有名な作品が多いので知っているものが多かったのですが、新作は未見のものばかりでしたので、それぞれイマジネーションの広がり方が大変に刺激的でした。モチーフとなった実物の椅子は答え合わせのためではなく、イメージソースに触れるためですね。アップルやハーマンミラーといった、会社がデザインを重視するのは売るためだけではなく問題解決のためであり、ユーザーに至上の体験を提供するためです。会場展示を公園の遊具で遊ぶように楽しみながら、デザインのストイックな一面を再確認した大変意味深い体験となりました。

※『Then x Ten』展は、11/7日に終了しました。

●ハーマンミラーのポスター展「Then x Ten」：AXIS企画・協力展 | デザイン情報 | AXIS

●ハーマンミラーのポスター展「Then x Ten」をアクシスギャラリーで開催 ：ニュース ＆ イベント ハーマンミラージャパン

●Eames Office

「DTPの勉強会 第8回」：カラーマネージメントを始めるためにやっておくべきこと

「DTPの勉強会 第8回」に参加しました。

今回のテーマは「カラーマネージメント」。

スピーカー：島崎肇則さん（@kar_kador）

聴き手：やもさん（やもめも）

　　　　あかつきさん（あかつき＠おばなのDTP稼業録）

★内容

「カラーマネージメント ～DTP・製作現場を中心に～」

　１. 環境について

　　  １-１. 光源と色の見え方

　　  １-２. 環境の整備

　２. ディスプレイについて

　　  ２-１. ディスプレイの種類

　　  ２-２. 調整の目標値

　　  ２-３. キャリブレーション

　３. プリンタの調整

　　  ３-１. プリンタの種類

　　  ３-２. RGB プリンタの調整

　　  ３-３. CMYK プリンタの調整

　４. データの取り扱い

　　  ４-１. CSのカラー環境設定

　　  ４-２. Photoshop

　　  ４-３. InDesign／Illustrator

カラーマネージメントとは、ディスプレイに表示される色、プリンタに出力した色、印刷した色など、異なるデバイス間の色をできるだけ同じ色に近づけるためのシステムです。今回はこのカラーマネージメントシステムの概念から実際のワークフローについて、すぐにできそうなことからここまでやればほぼ完璧というものまで、幅広く説明されました。

全体で見ると、ざっとこんな感じです。

１. 室内の照明（蛍光灯）の整備

２. 作業スペース・デスク周辺の整備

３. ディスプレイの選び方

４. ディスプレイの調整

５. プリンタの調整

６. アプリケーション（Adobe CS）の設定とデータの取り扱い

１～３は比較的取り入れやすいものですが、４～６はそれ相応の設備とテクニックが必要になります。１～３には、例えば下記のようなものがあるので、すぐに出来そうなことから始めてみましょう。

１. 室内の照明（蛍光灯）は、

・高演色性蛍光灯（5000K・昼光色／Ra90以上）を使用する。

・デスクライトにRa90以上を使用するのもOKです。

※K=ケルビンは色温度の単位で、色温度は紙白と同じが理想です。

　蛍光灯の色温度はパッケージなどに記載されています。

２. 作業スペース・デスク周辺の環境は、

・安定した光源を確保する。

・できるだけ無彩色の机や壁にする。

　（色が影響しないように）

・外光を遮るカーテンを使用する。

　（光の入り具合で色が変わるため）

・デスク周りを整理する。

３. ディスプレイの選び方

ディスプレイパネルの種類は、

・IPSパネル（視野角178度・見る角度によって色が変わらない）

・VAパネル

・TNパネル（視野角160度・見る角度によって色が変わる）

がありますが、視野角の広い「IPSパネル」がオススメだそうです。

※パネルの種類は、メーカーのスペック表などに記載されています。

４～６は、各種デバイスの調整とデータの運用になります。

・ディスプレイはキャリブレーションをして、色温度と輝度を

　調整し、黄味と青味を紙白のターゲットに近づける。

・ディスプレイとプリンタのプロファイルを正しく設定し適用する。

・データのプロファイルを正しく運用する。

など、正しく調整するための知識とテクニックが必要です。

デバイスの調整で大切なことは「トータルバランス」。

１点豪華主義でいくら高価な良いディスプレイを買ったとしても、キャリブレーションを行わなければ意味がない、とのこと。３～６はハードルが高いですが、導入する場合はセットで検討した方がよさそうです。

ここまで学んで、私はディスプレイと印刷の色の違いについては、普段あまりストレスを感じていいないことに気づきました。おそらく今までの経験から、印刷の色味を予想しながら作業することには慣れていたからでしょう。また、PDFファイルでの校正が増えたため、最近では自分で確認する以外にプリンタで出力する機会はほとんどなくなったことも大きいです。

それでも、厳密な色調整が必要なデータを扱う場合には、こういった設定は必要不可欠です。ここまでしっかりとした設定を行うことによって、かなり近い色味を表現できる作業環境は仕事の精度を高めてくれます。案件や予算などと照らし合わせて “どこまでやるか” という今後の参考にもなりました。

今回の勉強会に参加して、カラーマネージメントに関して断片的だった知識の全体像を把握できたことが一番の収穫です。先ずはデスク周りの小さなことから始めてみたいですね。

写真は、会場で配布された「RGBプリンタ」と「CMYKプリンタ」の出力サンプルです。それぞれ上段が「ドライバデフォルト設定」、下段が「ユーザ作成プロファイル適用」の出力です。プロファイルが適用されたものは、かなり忠実に色味が再現されているのが解ります。

DTPの勉強会【DTPの勉強会第8回】（2012年9月22日開催）

『おおかみこどもの雨と雪』は、あまりに真っ当な傑作エンターテインメント作品だった。

話題性では他作品に譲るものの、作品評価がずば抜けて高い『おおかみこどもの雨と雪』。期待以上の映画でした。予想外だったのは、いかにもファミリー向け映画のような可愛らしいヴィジュアル・イメージに反して、大人向けの文芸作品だったこと。『女の一生』というフランスの小説がありますが、『おおかみこどもの雨と雪』はそんな言葉がぴったりとくるような作品でした。

普通、物語というのは主人公の『成長』を描くものです。『成長』は、主人公が絶望的にわかり合えそうにない誰かと出会ったり、信じて疑わなかった常識が覆されるような世界に足を踏み入れる事で促されます。主人公を成長させる『わかりあえない存在』のことを批評では『他者』と呼んでいます。そのような自分と他者のギャップを描くこと、それが文芸作品の主たるテーマです。

それではどうして『おおかみこどもの雨と雪』は文芸作品なのでしょうか？　ききわけなく泣き喚いたりする幼い子供を真摯に育て上げることは「『他者』と向き合う」ということで、本作が「そんな微笑ましくも過酷な暮らしが、主人公・花を線の細い少女からたくましい母親へと成長させてゆく」物語だからです。ただし、作品には非常に幅広く、様々なテーマが込められています。これだけ豊かな物語ですから、前述のように大雑把に物語の説明をすると大切なもののほとんどがこぼれ落ちてしまいます。また、ネタバレになっては申し訳ないので、内容についてはこの程度にとどめておきましょう。

大人向け、文芸作品などと書いてしまったので、高尚で難解なイメージに思われるかもしれないのですが、ワンシーンも退屈させない、濃密なエンターテインメントに仕上がっています。小難しく退屈な映画にしない為に、監督は元気いっぱいでやんちゃな子供たち（『他者』）をおおかみという野生動物に置き換えて、素敵なファンタジーに仕上げました。母と子の物語をファンタジーへとデザインする。これは “企画のデザイン力” ですね。デザインには『問題解決の手段』という役割がありますから、ここはデザインという言葉で正しいでしょう。

　・過去の名作をリメイク ＝ 焼き直し

　・ハードルの高い文芸作品でお客さんを呼ぶ為に

　　ファンタジーにする ＝ デザイン

という事です。

登場人物のスタイリングに、スタイリストの伊賀大介さんが参加されている事も話題になっていますが、これはお洒落な映画を作るとか、キャッチーを狙うというよりも、演出効果を狙っているのでしょう。都会で着るような可愛らしいカットソーを着て畑仕事をやらせて、畑仕事に不慣れな感じを出してみたり。正しく映画のスタイリングだと感じました。（映画において『正しく』とは、台詞で語らないという事です）

思い返してみれば、細田守監督の最近の作品、『時をかける少女』、『サマーウォーズ』のポスターは全て、お客さんを呼べるデザインになっていますよね。なにか楽しいものが観られるんじゃないか、特別な体験になるんじゃないかという期待を掻き立てるような魅力的なヴィジュアルです。『おおかみこどもの雨と雪』のヴィジュアルもまた、例外ではありません。

映画本編が終わったら、「そもそも主人公の花が物語の最初、どんな女の子だったのか」を思い出してみてください。あまりに都合の良い、それ故に心の底からは共感出来ないハッピーエンドの物語では絶対に味わえない、ほろ苦いけどリアルなハッピーエンドが強くあなたの心を揺さぶってくるはずです。

映画「おおかみこどもの雨と雪」

「INDD 2012 Tokyo（InDesignユーザーの祭典）」：PDF出力は本当に使えるのか？

7月20日に「INDD 2012 Tokyo（InDesignユーザーの祭典）」が開催されました。ユーザー（有志の実行委員）主催のこのイベントは、大規模でありながら、今までになかったユーザー目線での工夫が凝らされたものでした。今回登壇されたスピーカーの方々は、書籍の出版もされていたりその分野に関しては特に見識のある方ばかりです。「InDesignトラック」と「電子書籍トラック」の二つの会場に分かれての開催でしたが、私は「InDesignトラック」に参加しました。

★INDD 2012 Tokyo（InDesignトラック）※敬称略

A-1：InDesignのスタイル機能を使い倒す

　　　森 裕司（InDesignの勉強部屋）

A-2：美しい文字組みについて考える

　　 （InDesign組版教室 出張版）

　　　紺野 慎一（凸版印刷株式会社）

　　　大石 十三夫（なんでやねんDTP）

　　　宮地 知（大阪DTPの勉強部屋）

A-3：InDesign作業の時短に欠かせないスクリプトを活用

　　 ［DTPの勉強会（東京）出張版］

　　　尾花 暁（あかつき＠おばなのDTP稼業録）

　　　竹内 亨（たけうちとおるのスクリプトノート）

　　　丸山 邦朋（ものかの）

A-4：InDesign新機能（CS6/CS5.5/CS5)

　　　大橋 幸二（DTPの壺ろぐ）

　　　大倉 壽子（アドビ全製品を網羅しているスペシャリスト）

A-5：InDesignの出力に関する理想と現実

　　 （PDF出力、本当に使えるの？）

　　　笹川 純一（株式会社吉田印刷所）

　　　柴田 勉（株式会社ノア・デジタル）

　　　松久 剛（大日本スクリーン製造株式会社）

A-6：全員参加型!? 私のアナタの欲しい機能

　　　小林 功二（株式会社マイナビ）

　　　あかね（印刷会社勤務・ちくちく日記）

　　　岩本 崇（アドビ システムズ株式会社）

すべてのセッションで共通しているのは、クオリティーが求められるのは当然として「効率」だと感じました。以前にも増してスピードが求められている今、InDesignが持つ機能を巧く使いこなし、「早急に、なおかつ完璧に出力し納品まで行うこと」は不可欠です。

参考になるポイントは人それぞれだと思いますが、私が最も参考になったのは、セッションA-5「InDesignの出力に関する理想と現実（PDF出力、本当に使えるの？）」でした。

「PDF出力」は、印刷所内での最小限の行程で印刷まで行うことができる、言わば人の手を介さない究極の入稿システムです。

ただ、PDF出力用の完璧なデータ制作が条件になりますので、デザイナーやDTPオペレーターのその為の理解は必要最低の条件となります。また、印刷会社の体制整備も必要ですので、すべての条件面においてまだまだ一般的ではないという感も否めませんが、今後増えていくのではないかと思っています。

今回は、PDF書き出しプリセット（PDF/X-1a、PDF/X-3、PDF/X-4）の差異や、透明とオーバープリントの扱いなどについても学びました。今までそうするものだと思っていたことが「なぜそうしなければならないか」という理解に変わるのは楽しいものです。

今回紹介された機能や方法ををすべて使いこなせたら最強ですが、それぞれの仕事や環境に合わせて、少しづつでも上手く取り入れていきたいですね。

INDD 2012 - InDesignユーザーの祭典（2012年7月20日開催）

「デヴィッド・リンチ展 “David Lynch”」：アートとデザインの差異について

映画であれ、絵画であれ、写真であれ、デヴィッド・リンチの作品について語る事は無意味です。自身の作品の持つ不可解さ故、「あれはなんだったんですか？」的なインタビューを受ける度に、本人が言っているのだから間違いは無いでしょう。

「批評や答え合わせは無意味だ」というのは一見、突き放したような言葉ですが、実はこの言葉には続きがあります。リンチは「作品が不可解であれば、不可解であるという印象を受けた、自分自身の印象をもっと尊重してください」という事をインタビューで繰り返し答えているのです。「あなたにとって何よりも大切なのは、あなた自身ですよ」という事ですね。

自分とは利害関係が一致しない、立場が違う相手を尊重し、存在を認める事、他者を想定する事は、民主主義の持つ或る一面だと思います。「あなたがイレイザー・ヘッドを観てどう感じようと、作者であるリンチがこう言っているのだから、あなたの解釈は間違っている」というのではなく、「作者である私の言葉よりも、作品に触れてあなた自身に起こった感情や印象をなによりも尊重してください」という事ですね。

答え合わせではなく、自分自身を尊重するとどういう良い事があるのでしょうか？　例えば、ジョイスの『フィネガンズ・ウェイク』を頑張って読破してはみたものの、本を閉じた時に感じた感想が「さっぱりわからなかった」というものだったとします。それではその読書に費やした時間は無駄だったのでしょうか？　私はそうは思いません。一見、『わからかった』という経験の積み重ねが、知性の厚みを作るような気がします。リンチ作品に関しても、作品それ自体から受けた印象が財産であり、技法云々はその他の些末なトピックに過ぎません。

クライアントがデザインに期待する役割には、問題解決の領域が多分に重なっています。チャールズ・イームズのように「デザインとは、問題解決の手段だ」と言い切っている人もいます。
例えば、日本語を解さない外国の方が日本で交通事故に遭わないように交通標識や信号機の表示をデザインする事。例えば、多機能化して操作が複雑になりすぎた携帯電話を使いやすくする為に、物理的なボタンは一つに絞り込んだiPhone。
映画のような芸術作品とデザインという仕事の差異はここにあり、逆に両者に通底するのは『ものを伝えようとする意志』でしょう。デザインで情報をより多くの人に、的確に伝える為には他人と自分の解釈の違いに寛容になる事が必要なんでしょうね。「私はこう感じたけど、なるほど、あなたはそう感じたのですか」という認識を幅広く持つ事の大切さ。そんな事を再確認した展覧会でした。

最後に、もう一つ。

デヴィッド・リンチはどうして『ツイン・ピークス』はあんなにヒットしたのでしょう？　というインタビューにこう応えています。

「わからない。作品に起こる事はコントロール出来ない」

この「デヴィッド・リンチからのメッセージ」も作品のひとつです。

「デヴィッド・リンチ展 “David Lynch”」は、「8/ ART GALLERY/ Tomio Koyama Gallery」で、7月23日（月）まで開催されています。

8/03/ART GALLERY/TOMIO KOYAMA GALLERY/デヴィッド・リンチ展