2012年5月23日水曜日

「d47MUSEUM」の『NIPPON DESIGN TRAVEL – 47都道府県のデザイン旅行』多様性が育む豊かさについて


渋谷ヒカリエ8階「8/(ハチ)」
オープンの混雑が落ち着いた頃、渋谷ヒカリエ8階「8/(ハチ)」にある
・「d47MUSEUM」
・「d47 design travel store」
・「d47食堂」
に行ってきました。

ここは「D&DEPARTMENT」の新プロジェクトです。以前よりナガオカケンメイさんの「D&DEPARTMENT PROJECT」の活動に関心があったので、今回の「d47」のオープンをとても楽しみにしていました。

「d47MUSEUM」ではオープニングエキシビションの『NIPPON DESIGN TRAVEL – 47都道府県のデザイン旅行』展を鑑賞しました。こちらは47の展示台があり「47都道府県の情報を知る事ができる」ギャラリーです。ここでは「観光・食事・お茶・買物・宿泊・人」という6つの視点によって選ばれたものが展示されていました。

「d47MUSEUM」『NIPPON DESIGN TRAVEL – 47都道府県のデザイン旅行』
ナガオカさんと「D&DEPARTMENT」のフィルターを通して選ばれたものは、伝統工芸的なものだけでなく、新しいプロジェクトや取り組みの紹介もあり、この取り合わせ自体が “手術台の上のミシンとこうもり傘の美しい出会い” 的な刺激であり、かと言ってそちら方向だけに偏ったものにはしない、絶妙なバランス感覚です。思わず手に取りたくなるようなものも多くありました。(※会場全体の写真撮影はOKでした。)

ナガオカさんは「d47」オープンにあたって、
・「東京に住んで、地方の仕事なんて絶対に出来る訳が無い」
・「今度は、東京が地方からクリエイションを学ぶ番」
と言われていて、その言葉がとても印象に残っています。

実際、ナガオカさんは日本中のあちこちに足を運んで、作り手やモノ、サービスに出会い、ご自分で確認されたものを選びとっていらっしゃいますが、こういう「確かさ」は、昨今の「やがて情報は無料になるが、体験にはお金を払う」というイメージに微妙に通じている印象、「腑に落ちる裏付け」のように私は感じました。(※誤解のないように、二つの言葉にまつわる全文は、ナガオカケンメイさんの4月29日のFacebookでご確認ください。)

「d47 design travel store」では、展示されていたものを実際に買うことができるショップが併設されています。そこにあるものを手に取って現地の風景に想いを馳せる……そんな豊かな想像体験が意外と楽しい。高価なもの・安くても良質な食材など各種ありましたが、暮らしを豊かにするのは、「持ち物の数や価格ではなく、こういう価値観に束ねられた多様性」かもしれません。「選択出来る」はそれ自体、「自由」だと思うのです。

「d47食堂」では、大阪の旬野菜のだし煮込み定食をいただきました。日本各地から集められた陶器・浄法寺の漆腕と、素材そのものを活かしたお料理の組み合わせ。「絶妙なマッチングって発見だな」と、「奇をてらった組み合わせだけが刺激ではないんだな」と、再確認してみたり。

「d47食堂」旬野菜のだし煮込み定食
「旬野菜のだし煮込み定食」1,500円。大阪文化のお出汁で
煮込んだ旬野菜と、牛すじの土手焼と泉州水なすの小鉢。

イギリスのビートルズやローリング・ストーンズの誕生に、ブルースというアメリカの古いブラック・ミュージックが大きく貢献しています。「何故、ブルース発祥のアメリカではなく、イギリスからこのような新しいムーブメントが発生したのか」とインタビュアーに尋ねられたシカゴ・ブルースの大御所、マディ・ウォーターズは「当時のアメリカの音楽シーンは、家に沢山食べ物があるのに裏庭で泣いている子供のようだった」と応えています。

「日本全国、その地に特有の豊かさがあるのだから、
“裏庭で泣いている子供” になってはいけない」

そんなことを、マディ・ウォーターズの言葉と共に各県の展示やショップを観ながら思いました。

地域のデザインを通して、もう一度日本を見つめ直す機会となる『NIPPON DESIGN TRAVEL – 47都道府県のデザイン旅行』展は、5月28日(月)まで開催されています。

●d47MUSEUM
●d47 design travel store
●d47食堂
●D&DEPARTMENT

2012年5月2日水曜日

『原弘と東京国立近代美術館 デザインワークを通して見えてくるもの』鑑賞。


原弘と東京国立近代美術館 デザインワークを通して見えてくるもの
東京国立近代美術館本館 ギャラリー4にて、「ジャクソン・ポロック展」と同時開催中の『原弘と東京国立近代美術館  デザインワークを通して見えてくるもの』を観てきました。

原弘さんは、グラフィックデザインの第一人者としてポスターや装幀等で、長年に渡り活躍されてきた方です。
国立近代美術館のポスター・招待状・展覧会のカタログ等は、1952年~1975年までの23年間担当されていました。

原さんは「デザインとは無名性の行為」を持論とし、「自分のポスターを作るのではなくて、国立近代美術館のポスターを作るのだ」という気持ちで、この仕事に取り組んでいたそうです。私もグラフィックデザインは、裏方の役割だと思っています。

原さんのデザインは、明晰で美しい。だからこそ、の存在感があるデザインが多いように感じました。

今回の展覧会は、同館で保管されている、ポスターや書籍に加え、版下や印刷の指定紙等、普段は観ることのできない貴重な展示もありました。完成したポスターと見比べてみると、指定紙と添えられた色見本から「どのように仕上がったのか」がわかり、とても興味深いです。

『原弘と東京国立近代美術館 デザインワークを通して見えてくるもの』は、5月6日(日)まで。

2012年5月1日火曜日

『生誕100年 ジャクソン・ポロック』展を鑑賞。


生誕100年 ジャクソン・ポロック
東京国立近代美術館本館で開催されている
『生誕100年 ジャクソン・ポロック』展を観てきました。
今回が、ポロックの日本初となる回顧展です。

ポロックといえば、抽象表現主義の代表的な画家で
流動性の塗料を画面に流し込むポーリング(pouring)の
技法を使用し、中心、地、図、の区別もない、
オールオーバー(allover)な構成で制作していました。

彼のポーリングは、
・ネイティブアメリカンの砂絵
・ダビッド・アルファロ・シケイロスの実験工房
・シュルレアリスムのオートマティスム(自動筆記)
という主に3つの要素で成立しています。

今回の展覧会は、彼の“生涯”と“作品”を感じることができる
滅多に観ることのできない充実の内容になっていました。
ポーリングの作品をはじめ、各国から集められた作品群、
展示の目玉である『インディアンレッドの地の壁画』は、
観客を圧倒します。

ポロックが美術を学び始めてから
44歳で亡くなるまで、その間わずか29年でした。
その上、アルコール依存症や精神分析の治療を受けていたり
描けない時期もあったりで、創作期間は長くはありません。

あらゆるプレッシャーや、アルコール依存症の再発等で
様々な手法を模索していた時期の作品を観ると、
そのすべてと凝縮された人生が伝わってくるようで
時に息苦しさを覚えるほどです。

重要な項目を年表にしてみました。
★「ジャクソン・ポロック」簡略年表
1912年  米国ワイオミング州コディ生まれる。
1927年  この頃飲酒を始める。
1928年  美術の基礎を学び始める。
1930年  NYに移り、
     「アート・スチューデンツ・リーグ」で学ぶ。
1933年  ディエゴ・リベラがNYで壁画制作する姿を観る。
1937年  精神科でアルコール依存症の治療を受け始める。
1942年~ ポーリングの技法を用い始める。
1944年  初の美術館(MoMA)からの買い上げ。
1954年~ ほとんど制作しなくなる(できなくなる)。
1955年  再び精神分析治療を始める。
1956年  8月11日、飲酒運転で交通事故死。享年44歳。

美術関連の年表に「この頃飲酒を始める」とあるのは、
彼の創作に、お酒の影響は切っても切れないものなの
だからでしょう。

ジャクソン・ポロックのアトリエ床再現ジャクソン・ポロックのアトリエ再現
展示会場には、ポロックのアトリエの一部が
再現されていました。
もちろん複製ですが、写真に撮るとちょっと本物っぽい!?
(※こちらは、撮影OKでした。)

ジャクソン・ポロックが使用していた塗料
そしてポロックが使用していた塗料。左から、
・デュポン社のデュコ(ラッカー)、
・デヴォー&レイノルズ社のエナメル塗料、
・ピッツバーグ社のエナメル塗料、
・ピッツバーグ社のアルミニウム塗料、
・デヴォー&レイノルズ社の塗料(種類不明)

『生誕100年 ジャクソン・ポロック展』は、
5月6日(日)まで開催されています。

2012年4月19日木曜日

『TDC展 2012』鑑賞。














gggで開催されている『TDC展 2012』を観てきました。
「TDC展 」は、東京タイプディレクターズクラブ
(東京TDC)が主催するデザインコンペ「東京TDC賞 」を
受賞した作品の展覧会です。

今年は特にクオリティーが高いとの評判通り、
展示されている作品のすべてがとても素晴らしいものでした。
とりわけ、グランプリを受賞した「Comedy Carpet」の
アイデアと完成度、RGB賞の「口ロロ(クチロロ)『CD』」の
一連のアートワークには、目を見張るものがありました。

【グランプリ】
★Why Not Associates+Gordon Young(イギリス)
 トライアル「Comedy Carpet」(CL. Blackpool Council)

【TDC賞】
★M/M(Paris)(フランス)
CDジャケット、ブック、アプリケーション
 「björk : Biophilia」(CL. björk)
 björk: moon - YouTube‬
★川村真司+清水幹太+Saqoosha+森本友理
 MV「androp music video “Bell”」
 (CL. 株式会社ワーナーミュージック・ジャパン) 
★Martin Borst(ドイツ)
 タイプデザイン「Mondra」
★大日本印刷秀英体開発室
 タイプデザイン「秀英体 平成の大改刻」

【特別賞】
★祖父江 慎+吉岡秀典
 ブックデザイン『きのこ文学名作選』(CL. 港の人)

【RGB賞】
★いすたえこ+伊藤ガビン+林洋介+宮本拓馬
 特設サイト+CDジャケット「口ロロ(クチロロ)『CD』」
 (CL. commmons)
 口ロロ(クチロロ)/あたらしいたましい feat. 金田朋子 - YouTube

【ブックデザイン賞】
★Alexander Gelman(アメリカ)
 『Sequencer Books』(CL. Sequencer)

【タイプデザイン賞】
★Underware(オランダ)
 「Mr Porter custom typeface」(CL. Mr Porter)

●受賞作品の詳細は、こちらのサイトにあります。
 これ、誰がデザインしたの? : TDC展 2012

●グランプリを受賞したタイポグラフィのアートワーク
 「Comedy Carpet」の小冊子はこちらで見られます。
 これ、誰がデザインしたの? : Comedy Carpet

『TDC展 2012』展は、4/25日に終了しました。
 ギンザ・グラフィック・ギャラリー:展覧会アーカイブ
 ギンザ・グラフィック・ギャラリー

2012年3月24日土曜日

『ロトチェンコ 彗星のごとく、ロシア・アヴァンギャルドの寵児』展について。


gggで開催されている『ロトチェンコ 彗星のごとく、
ロシア・アヴァンギャルドの寵児』展を観てきました。

アレクサンドル・ロトチェンコは、
ロシア構成主義の創始者の一人であり、
ロシア・アヴァンギャルド芸術家の中でも際立った存在です。

彼の活動は、絵画、グラフィック、写真だけではなく、
立体、建築、インテリア、家具など、広範囲に及びました。

1922年からは、グラフィックに傾注し、
未来派の代表的詩人、ウラジーミル・マヤコフスキーと共に
50点程のポスター、100点程の看板や広告塔、その他雑誌、
新聞、パッケージ、広告などをデザインしています。

そして1924年からは本格的に写真表現を模索し、
「遠近短縮法」「上から下へ」「下から上へ」と言われる
極端な視点からの撮影など、多くの実験を繰り返しました。

私がロトチェンコに惹かれるのは、多くの作品はもちろん、
その活動のどれもが実験精神に溢れ、挑戦の連続だったことと
制作方法に、グラフィックの原点を見ることができるからです。

その中でも、構成主義のグラフィックデザインの特徴のひとつ
「フォトモンタージュ」は、それまでのデザインのやり方に
大きな変革をもたらし、大きく前進しました。

「グリッド・レイアウト」を用いた彼のコンポジションは、
構成の幾何学的図式とレイアウトに従い考え抜かれたもので、
今でも廃れていない技法のひとつです。

ポスターなどでは、マヤコフスキーの強烈なコピーが加わり、
広告を見た人に衝撃を与え、記憶に残すことにも成功しました。

この年代のポスターは手描きで、随所に苦心の跡が見られます。
今ではコンピュータとソフトで簡単に制作できそうなものでも、
それには到底かなわない何かを感じることもできました。

 
今回の展覧会の展示内容に加えて、
副監修の矢萩喜從郎さんによる会場構成やポスター、
カタログなどの一連のデザインも非常に優れたものでした。

●展示会場の様子は、こちらのサイトにあります。
 【ggg】ロトチェンコ展会場写真アップしました。

●ギャラリートークのアーカイブはこちらです。
 USTREAM: gggロトチェンコ展 ギャラリートーク矢萩喜從郎

『ロトチェンコ 彗星のごとく、
ロシア・アヴァンギャルドの寵児』展は、3/27日に終了しました。
ギンザ・グラフィック・ギャラリー

2012年3月3日土曜日

心が躍る世界へ:『ジャン=ミシェル オトニエル:マイ ウェイ』展を鑑賞。


原美術館で開催されている
『ジャン=ミシェル オトニエル:
 マイ ウェイ』展を観てきました。

フランスを代表する現代美術作家
オトニエルの個展は、日本では今回が初めてで、
パリ→ソウル→東京→ニューヨークと巡回しています。
最初のパリでは、20万人もの人が訪れました。

展示作品のいくつかをネットで見ていましたが、
実際に目にすると印象はまるで異なりました。
観る場所や角度、自然光の入り方によって、
様々な質感や色彩、フォルムに変化するのです。

これは会場に行かなければ
体感することができない展覧会です。

実物の作品が持つ圧倒的な存在感と輝き、
そして美しさに、とにかく魅了されました!!!
刺激を受け、心が躍る展覧会は久しぶりの体験です。

初期の、布、硫黄、樹脂などを使った作品から
最新のムラーノガラスを使った作品まで
彼が歩んだ25年の奇跡を感じることもできました。

オトニエルの作品には
生と死、自由と苦悩、美と官能など、
様々な概念があるそうです。

初期の作品では、心の傷や苦悩を現す
エモーショナルな作品を制作していました。
そして90年代半ばのガラスとの出会いで、
夢や幸福感など、新たな世界へと広がっていきます。

また、この会場が今回の展示にぴったりで、
午後の光が差し込む館内とそれを映す作品は、
とても幻想的なスペースになっていました。

会場は、多少の注意書きはあるものの
撮影OKなので、わたしも撮影してみました。

 
左:「マイ ウェイ(My Way)」2010年
   ムラーノガラス、アルミニウム留具
右:「グローリー ホールズ(Glory Holes)」
   1995年 布に刺繍

 
「私のベッド(Mon Lit)」2002年
 ムラーノガラス、アルミニウム、飾りひも、フェルト

 
左:「自立する大きな結び目
  (Le Grand Nœud Autoporté)」2011年 ガラス、金属
右:「黒い心、赤い涙(Black Heart, Red Tears)」
   2007年 ビーズ、ガラス

 
屋外にも作品が展示されています。

 
「涙(Lagrimas)」2002年 ガラス、水、テーブル

 
「ラカンの大きな結び目(La Grand Double
 Nœud de Lacan)」2011年 鏡面ガラス、金属


こちらは美術館併設のカフェ
(カフェ ダール)にある「イメージケーキ」。
ハラミュージアム アーク(群馬県渋川市)の作品
「Kokoro」がモチーフなのかと思われます。

心が躍る展覧会『ジャン=ミシェル オトニエル:
マイ ウェイ』展は、3月11日(日)まで。
Hara Museum Web

2012年2月22日水曜日

正義と云う名の病:『J・エドガー』を観た。


クリント・イーストウッド監督最新作
『J・エドガー』を観てきました。

これはFBIを作り上げた、FBI初代長官の
J・エドガー・フーバーについての映画です。
彼はアメリカ大統領でさえ及ばない権力を持ち、
48年もの間、国を裏で動かしていました。

この作品では、彼のパブリックな部分より
プライベートに焦点を当て、
英雄であるよりも謎に満ちた内面の方を
中心に描いています。

だから観客は自分自身で
それを解釈しなければなりません。

アメリカ人であれば自然に理解できそうな事も、
日本人である自分には解りにくい部分もあり、
難しい映画でした。

私はイーストウッドが
「なぜ今この題材に興味を持ったのか」
ということがとても気になります。

「観客が自分たちが思うように解釈すればいい」
とイーストウッドは言っていましたが、
すべての表現は少なからず時代を反映しています。

斎藤環さん(精神科医)のレビューには、

「彼の複雑さはアメリカの複雑さであり、
その病理の一部は、現在もなお受け継がれている。
イーストウッドは、一人の男の生涯を通じて
『アメリカそのもの』を描こうとしたのだ」

と記されてありました。
(このレビューに少しヒントをもらった気が…。)

テレビは頭を休めるためにありますが、
映画は観客に問いかけるメディアです。
つまり、本作は真に映画作品です。

J・エドガー - オフィシャルサイト
J・エドガー - goo 映画